Música y estimulación temprana

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La plasticidad del cerebro es una de las características más llamativas en el ámbito de la educación. La capacidad para evolucionar a lo largo de nuestra vida de acuerdo con los estímulos que podemos procesar a partir de la información que nuestros sensores  llevan hasta él. Tener un cerebro moldeable es lo que permite a la raza humana progresar y sobrevivir en los lugares más difíciles.  Esta característica del ser humano hay que aprovecharla desde sus primeros latidos de vida, en el vientre materno, utilizando el canto, en primera instancia, así como juegos, ejercicios y muchos estímulos repetitivos para desarrollar diferentes funciones en el cerebro.

La música aumenta el número de conexiones neuronales en el cerebro durante el desarrollo del bebé, estimula, por lo tanto, las actividades verbales. También ayuda a los buenos hábitos de estudio, en la comprensión de las matemáticas y, lo que es más importante, forma niños seguros, felices y con inteligencia emocional.

El método Suzuki y el Efecto Mozart son dos de las formas de incrementar estas habilidades, no solo para los más pequeños sino para personas de toda edad.

Estimular al niño desde la educación de casa con música permite que se incremente su sensibilidad y espiritualidad.

La estimulación temprana surgió por la necesidad de atender a niños con distintas discapacidades, quienes necesitaban de atención y estimulo importantes desde los primeros años de su vida.

Luego este tipo de estimulación se utilizo en niños sanos, con lo cual se corroboro el enorme beneficio que causaba. La estimulación temprana es la repetición de patrones para que el cerebro los entienda y los incorpore. Aprendemos a hablar por la repetición diaria de los sonidos del lenguaje. El gatear requiere la habilidad de cruzar un brazo y una pierna contraria al mismo tiempo y esto es gracias a que nuestro cerebro está dividido en dos hemisferios, izquierdo y derecho, cada uno de los cuales controla la parte opuesta del cuerpo. La estimulación temprana ha llegado, incluso, a experimentarse en el nivel intrauterino a partir del cuarto mes de gestación, cuando el feto percibe sonoridades internas como la respiración y el latido del corazón. Otros sonidos que el feto puede escuchar son la voz de sus familiares, la música y el sonido en general.

Ana Lucía Frega, doctora en Humanidades y Artes (en: Álvarez Nieto, 2004:2) dice que escuchar música o interpretarla, por lo tanto, ayuda a:

•          Mejorar el sistema auditivo.
•          Facilita la expresión de sentimientos e ideas
•          Ayuda al desarrollo de la memoria
•          Mejora las capacidades motrices, las capacidades artístico creativas
•          Favorece la integración sociocultural y;
•          Amplia y mejora las posibilidades lingüísticas.

Según lo señala Isabel Francisca Álvarez Nieto (2004:3), maestra de educación infantil de España, los beneficios que conllevan las actividades musicales en el niño son las siguientes:

-        Seguridad: si el niño escucha repetidas veces cierta música en el vientre materno, al nacer, sentirá seguridad y tranquilidad cuando escuche las mismas melodías.

-         Desarrollo Integral: el niño incorporara sentido de identidad y belleza estética, cuando los padres le canten y le arrullen con cierto ritmo. Además, esto ayudara a moderar su ritmo cardíaco  supresión sanguínea y la termperatura de su cuerpo.

-         Salud: la música clásica y, en especial la de Mozart, escuchada por niños en incubadoras, demostró que estos ganaban mas peso, reducían estrés y salían del hospital en un promedio de cinco días menos que quienes que no la escuchaban.

-         Integración con el mundo: el escuchar y cantar canciones enseñadas por los padres, propias de su cultura o de sus experiencias, ayudan al niño a entender su entorno.

-         Mejora la conciencia auditiva y emocional: cuando uno canta con los niños, es importante sostenerle los brazos y llevar el ritmo, para que así ellos regulen los ritmos naturales de su cuerpo.

-         Aptitud musical: es importante que los pequeños escuchen obras completas para que entiendan la estructura de la música (por ejemplo, sonatas de Mozart con sus tres movimientos).

-         Vinculo entre padres e hijos: escuchar músi­ca mientras se inventan coreografías, es algo que los niños adoran y los acercará más a sus padres, además nos ayuda a sacar ese niño que todos llevamos dentro.

-         Ayuda a las defensas del organismo: el contac­to de padres e hijos en actividades musicales aumenta la actividad inmunitaria al sentirse el niño más seguro y tranquilo.

          Desarrollo del sentido rítmico: permitirles utili­zar maracas, tambores, panderetas, claves, etc. ayuda al desarrollo rítmico.

-         Relaciones interpersonales: hacer grupos de niños e interactuar con otros por medio de una actividad musical, ayuda al niño a comunicar­se y a relacionarse mejor con las personas.

Método Suzuki

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 Método musical para enseñar a tocar un instrumento a los niños desde temprana edad teniendo en cuenta el factor de la lengua materna. Si los niños aprenden su propia lengua materna entonces no es difícil que aprendan a familiarizarse con el lenguaje musical.

 El método Suzuki es un método de enseñanza musical diseñado por el Dr. Shinichi Suzuki. El doctor Suzuki observó que los bebés, desde que nacen, están rodeados por los sonidos de su lengua materna; a medida que crecen, la hablan con enorme fluidez. 

A este método lo denomino Método de la Lengua Materna y, fundado en el profundo respeto del niño como individuo y en el concepto de que la habilidad se aprende y no se hereda, lo llevó a la música. Es así que los niños comienzan a hacer música desde muy pequeños. Ya con 2 o 3 años se le ofrecen los estímulos: escucha música, investiga un instrumento, imita un sonido o un ritmo, se lo motiva a seguir.

Es de suponer, entonces que los padres tienen un rol muy importante en el entrenamiento: asisten a las lecciones, participan activamente, aprenden a prolongar en la casa la acción emprendida en la lección con la misma paciencia que tuvieron cuando les enseñaron a sus hijos a hablar su lengua. El entrenamiento no busca producir artistas, sino ayudar al niño a encontrar el goce que deriva de la música.  

Efecto Mozart

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Efecto Mozart surgió a raíz de investigaciones de la mano de la psicóloga Frances Rauscher y el neurobiólogo Gordon Shaw, de la Universidad de California. Francés H. Rauser y  sus colegas realizaron un estudio en el cual 36 estudiantes de psicología obtuvieron una puntuación superior en 8 a 9 puntos en el text de cociente de inteligencia espacial después de escuchar diez minutos de la Sonata para dos pianos en re mayor. Si bien los efectos duraron entre diez y quince minutos, el equipo de Rauscher llego a la conclusión de que la relación entre la música y el razonamiento espacial es tan fuerte que simplemente escuchar música puede influir muchísimo (en: Campbel, 1998).

Conclusión

Estoy convencida después de haber realizado esta pequeña síntesis sobre la estimulación temprana musical,  que es impor­tante el contacto con la música; sobre todo la música clásica, desde los primeros latidos de vida. También creo que sería muy reconfortable para la educación del niño ya que permitirá una mayor sensibilización con el mundo que le rodea, aprender a tocar un instrumento, y lo que es más importante, que canten, porque cantar nos llena más el espíritu, al ser nosotros el propio instrumento. Otra de las razones por las que estoy totalmente convencida de los beneficios que aporta en la educación de los niños una educación musical temprana es la vivencia que estoy experimentando con mi hermano pequeño de tan sólo dos años de edad. A él su padre, le cantaba nanas cuando estaba en la barriga y al nacer recuerdo un día que el padre volvió a cantar esas melodías de nuevo y mi hermano muy atento busco la voz de su padre y sonrió, además de que a día de hoy escucha música y baila y suele acompañar al compás de la música con sus palmas.

Bibliografía

Álvarez Nieto, Isabel Francisca (2004) La estimulación musical a edades tempra­nas. Recuperado el 29 de Abril de 2013, de: http://www.filomusica.com/filo50/fca. html.

Campbell, D. (1998). El Efecto Mozart. Barcelona: Ediciones Urbano, S. A.

Suzuki, Shinichi (1969). Hacia la música por amor. Nueva filoso­fía pedagógica. Puerto Rico: Ed. Ramallo Bros. Printing.

Método Aschero

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Como método para la estimulación temprana, el método Aschero se basa en establecer vínculos entre la vista y el oído. En este método se sustituyen las notas musicales por "sonocolores", es decir, imágenes con sonidos. Es un método que recurre a las matemáticas y los colores haciéndolo atractivo y lúdico. Es perfecto para personas con alguna discapacidad psíquica ya que, es un método fundamentalmente práctico. También es idóneo para la educación musical de todos los niños e incluso como un recurso de apoyo para el profesor de música.

El Sistema Musical Aschero : Numerofonía de Aschero.

La Numerofonía de Aschero se basa en las ciencias matemáticas (geometría y aritmética), en la  óptica, en la acústica y en la lingüistica, lo que lo hace muy claro y comprensible para niños desde los tres años de edad, en absoluta contraposición con el sistema tradicional de notación musical. Fue creado por Sergio Aschero el cual intenta mejorar la relación entre la música y la gente, a partir de la recuperación de la unión entre la ciencia y el arte, tal cual ocurría en la Academia de Atenas de la Antigua Grecia cuando la música era una de las ciencias matemáticas, junto a la aritmética, la geometría y la astronomía.

Lo novedoso de este método es que nos permite a todos sin excepciones, poder leer, escribir, interpretar y crear música incluyendo a adultos, adolescentes, niños y personas con discapacidad. Para estos últimos es un método infalible que ya ha proporcionado resultados positivos en su utilización.

Utiliza formas geométricas y colores para los más pequeños y a medida que van avanzando en edad y en su aprendizaje, el sistema va incluyendo número enteros y fraccionarios, acompañando al niño en su desarrollo escolar de manera simultánea a su formación académica.

En el siguiente vídeo de unos diez minutos aproximadamente se define brevemente El Sistema Musical Aschero, para un mejor entendimiento de su funcionamiento lo comparto con todos ustedes. Espero que les guste y que les haya parecido interesante.

Fuente: Aschero, S. (1989). Sonocolores: método de flauta dulce. Madrid: Fundación para la Renovación de la Escuela : Ministerio de Educación y Ciencia, D.L.

Musicografía Braille

Ray Charles, ciego desde la infancia, fue cantante, saxofonista, y pianista del soul. Es reconocido mundialmente como uno de los músicos más influyentes de la historia de la música popular. 

Como podrán ver en el vídeo de música anterior se puede apreciar el talento innato de este hombre sobre el piano y con sus cuerdas vocales. Un ejemplo a seguir porque a pesar de su discapacidad visual consiguió en el mundo de la música un gran prestigio. ¿A qué quiero llegar con esto? A que las personas ciegas o con baja visión también tienen derecho a una educación musical con igualdad de oportunidades que los demás. Algo curioso de la función adaptativa del ser humano es que cuando perdemos uno de los sentidos el cerebro se adapta y evolucionamos en los otros que nos quedan, por lo tanto los ciegos tienen un sentido auditivo algo más evolucionado que el de las demás personas.

¿Cómo aprenden a tocar un instrumento las personas ciegas o con baja visión? Pues mediante la técnica llamada "Musicografía Braille". 

Aprovechare para introducirles un poco en este método musical que hace posible que todos podamos hacer uso de la música. La idea de este blog fue la de dejar plasmado las utilizaciones de la música en la educación y de los beneficios que esta nos aporta. La Musicografía Braille es otro ejemplo de que la educación musical es para todos. Todos tenemos derecho a una educación musical digna y no debemos discriminarse a las personas con necesidades educativas especiales. 

Conociendo Musicografía Braille

Este método fue creado por Luis Braille de forma paralela al código para el texto. Se basa en un sistema de puntos en relieve organizados en "celdillas", formadas por grupos de seis puntos dispuestos en dos columnas contiguas de tres. Se establece una numeración convencional de los puntos, empezando por la columna de la izquierda y de arriba abajo: 1, 2, 3; y la columna de la derecha, 4, 5, 6.

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Las notas se representan por caracteres constituidos por los puntos 1, 2, 4 y 5 y se corresponden con las letras d, e, f, g, h, i, j del alfabeto Braille. Estas letras equivalen respectivamente a las notas do, re, mi, fa, sol, la, si.

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Para saber más se pueden descargar el siguiente libro, el que he usado para introducirles un poco en el método. Puedes descargarlo en el siguiente link : http://www.once.es/serviciosSociales/index.cfm?navega=detalle&idobjeto=88&idtipo=1


 

Método Kodaly

Zoltan Kodaly
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Este autor no solo creó un método sino desarrollo una filosofía sobre la importancia de la música en la vida del niño, joven y adulto. Entre sus principios destacan:

• La música es para todos, aunque no se aprenda un instrumento.
•  El aprendizaje musical debe seguir un proceso de lo simple a lo complejo. 
• El adiestramiento musical debe comenzar lo antes posible.

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El método Kodaly parte de la raíz cultural y de la realidad musical mas cercana al niño basándose en el canto como actividad base de la enseñanza musical. El canto es el mejor camino para enseñar y aprender música. 

La música forma parte de nuestra función fisiológica.

Fononímia
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Entre los recursos didácticos que utilizo destacan los juegos de movimiento y sobre todo la utilización de la fononímia.

Con la fononímia se asigna un gesto de la mano con el nombre y sonido de la nota. Es una manera clara y concisa para ver el perfil melódico, trabajar la audición interior, desarrollar el canto y sobre todo, adaptar la entonación a aquellos que les cueste un poco más la situación espacial de las notas musicales del sistema occidental. También ayuda a adquirir una mejor lectura y entonación de las palabras.

Kodaly articula la formación musical en dos niveles:

Primer nivel (3-6 años de edad) -> Basado en actividades musicales y juegos con canciones.

Segundo nivel (6-17 años de edad) -> Está estructurado en ocho cursos donde trabajan el Canto Coral con alumnos seleccionados. Esta estructuración de la enseñanza musical se mantiene en la actualidad en Hungría.

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ATRÉVETE CON KODALY

Es un método con una gran dosis de diversión, es una forma fácil y divertida de aprender las notas musicales. No hay que aprendérselas de memoria como estamos acostumbrados, también como podemos observar en la imagen de la derecha podemos hacer uso de nuestro propio cuerpo para desarrollar una enseñanza divertida y entretenida de la música. 




Fuente: Escudero, M. D. (1975). Método de música coral Kodaly. Ritmo Vol. 46 , 9.

Método Dalcroze

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Jacques Dalcroze considero al RITMO como el organizador de los elementos musicales. 
Este método experimenta el fenómeno musical mediante la experiencia física de los elementos de la Música por lo que el ritmo está ligado al movimiento físico. Utilizan al cuerpo como un auténtico instrumento musical. Para este autor comprender la música significa realizar nuestro propio ordenamiento de los sonidos. 

              

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Este método es activo mediante el cual se desarrollan el sentido y el conocimiento musical a través de la participación corporal en el ritmo musical. Para la aplicación de estos principios diseño diferentes ejercicios y juegos musicales basados en la coordinación entre conocimiento y movimiento, como medio para desarrollar la percepción, comprensión y expresión musical.

Aquí les dejo un vídeo de una clase Dalcroze.

Fuente: Bachmann, M.-L. (1998). La rítmica Jaques-Dalcroze: una educación por la música y para la música. Madrid: Pirámide, D.L.

Euritmia

Lee la siguiente estrofa con tonalidad y simpatía y estarás recitando una poesía. Estos sonidos y la totalidad de las palabras que has empleado poseen un valor propio que va directamente a la consciencia.

Anoche cuando dormía

soñé, ¡bendita ilusión!,

que una fontana fluía

dentro de mi corazón.

Dí, ¿por  qué acequia escondida,

agua, vienes hasta mí,

manantial de nueva vida

de donde nunca bebí?

(Machado)

Recientemente en un libro que estoy leyendo sobre la Pedagogía Waldorf de Frans Carlgren he descubierto esto de lo que aquí hablamos: la euritmia. ¿Por qué lo considero material para introducir en este blog? Porque estamos acostumbrados a escuchar la palabra música y relacionarla con sonidos de voces o de instrumentos y no lo relacionamos con un un simple sonido como es el de una palabra. Cuando hablamos también reproducimos sonidos, al establecer tonalidades cuando pronunciamos las palabras estamos creando música. La euritmia presta atención a los sonidos del lenguaje, es decir, de las vocales y las consonantes. La euritmia pedagógica –al lado del arte escénico- es una asignatura característica de toda Escuela Waldorf.

¿Cómo se trabaja la euritmia en las Escuelas Waldorf?

El trabajo eurítmico comienza con los ritmos más sencillos y los ejercicios con varillas en los primeros cursos y finaliza con las representaciones en el escenario de la escuela de piezas líricas, dramáticas y musicales.

Una clase entera actúa en grandes representaciones de conjunto, y algunos alumnos por separado, o grupos de ellos ejecutan distintos ademanes y se mueven simultáneamente en diferentes formas sobre el escenario. La consciencia del movimiento propio y del ajeno exige reciproca consideración, si se quiere que la variada escala de movimientos concuerde armónicamente. Una de las funciones pedagogías que tiene la euritmia es la función ennoblecedora y de equilibro social.

¿Qué es lo que los alumnos opinan de la enseñanza de la euritmia?

Teniendo en cuenta que la euritmia es una asignatura que solo se cursa en las escuelas Waldorf y no en otras los alumnos se hacen la pregunta de porque ellos tienen que estudiar algo que en otro lado no lo hacen.

Desarrollo de la Euritmia Pedagógica

En los primeros años escolares, la euritmia viene a satisfacer la afición natural del niño por el movimiento. En los cursos superiores, los alumnos pueden encontrar partiendo de las energías conscientes despiertas, posibilidades de una creación artística independiente. Lo más difícil es cuando se encuentran en la pubertad.

Un recato natural les impide manifestarse en movimiento que expresan de una manera tan inmediata los sentimientos del alma. Este fenómeno suele ser muy notorio en séptimo u octavo.

La enseñanza de la euritmia plantea, por tanto, amplias exigencias humanas a la inventiva artística de la o el euritmista, a su capacidad de explicar y convencer, y no menos a su sentido del humor. Crear euritmia humorística de la mas variada especie, es un vasto campo de trabajo artístico, tal vez adecuado para las quinceañeras modernas y su profunda necesidad de expresar lo raro y lo grotesco. Mas también hay que darse cuenta que una parte de los problemas que subsisten en las clases de euritmia no podrán resolverse plenamente hasta que este arte deje de estar al margen de la vida cultural, como todavía ocurre, por lo general, en la actualidad.

La euritmia merecería convertirse en una especie de arte popular, conocido y apreciado en amplios círculos. Numerosas dificultades pedagógicas cesarían entonces espontáneamente.